Who I am
Who I Am
Multidisciplinary artist with more than 25 years of experience in original graphic work. His practice spans printmaking, painting, photography, and digital media, with exhibitions in different countries. At the same time, he has developed an extensive teaching career in both classical and contemporary printmaking techniques, through his former studio-academy as well as official institutions.
His work unfolds in series that explore existential and ethical questions, maintaining a language in constant evolution. Free from labels and trends, he conceives art as a vital necessity and a space of creative freedom.
Qui suis-je
Artiste pluridisciplinaire avec plus de 25 ans de parcours dans l’œuvre graphique originale. Son travail couvre la gravure, la peinture, la photographie et les médias numériques, avec des expositions dans différents pays. Parallèlement, il a développé une large activité pédagogique autour des techniques classiques et contemporaines d’impression, tant dans son ancien atelier-académie que dans des institutions officielles.
Son œuvre s’articule en séries qui explorent des questions existentielles et éthiques, tout en maintenant un langage en constante évolution. Éloigné des étiquettes et des tendances, il conçoit l’art comme une nécessité vitale et un espace de liberté créative.
Quien soy
Artista multidisciplinar con más de 25 años de trayectoria en la obra gráfica original. Su trabajo abarca grabado, pintura, fotografía y medios digitales, con exposiciones en diferentes países. Paralelamente, ha desarrollado una amplia labor docente en técnicas clásicas y contemporáneas de impresión, así como en su antiguo taller-academia y en instituciones oficiales.
Su obra se articula en series que exploran cuestiones existenciales y éticas, manteniendo un lenguaje en constante evolución. Alejado de etiquetas y tendencias, concibe el arte como una necesidad vital y un espacio de libertad creativa.
Portrait of Jesús Tejedor
by A.D.
Discover the universe of Jesús Tejedor, where art becomes both language and experience. Through emotions, reflections, and diverse techniques, each work questions life and freedom. Dive into this portrait that reveals an artist beyond clichés and categories. Jesús Tejedor in the Hexagon Before my meeting with Jesús Tejedor, I approached his trajectory through a compendium of publications, interviews, and catalogues he shared with me. In his résumé, the artist records solo and group exhibitions since the early 1990s in venues across Europe, Africa, and Latin America, together with participations in art salons and fairs; this path situates his work in constant transit between contexts, more attentive to series and their conceptual drift than to belonging to a closed school. I read there an ethics of process: the work thinks itself in cycles, returns to motifs and materials, and moves from the pictorial to the installational or digital without losing semantic continuity. I felt both comforted and challenged in the conversation I had with Jesús Tejedor, who welcomed me with the informal warmth of a coffee in his small studio, surrounded by brushes, pigments, fragments of engravings, and tools whose function, I confess, I entirely ignore. That atmosphere is already, in itself, a work: a creative ecosystem where serenity coexists with the ever-present tension of possibility. With a still steaming cup in his hands, the artist revealed to me a rich, plural, sometimes unsettling sensitivity, where art is not ornament but the very fabric of existence. For this artist, art is as essential as any biological function of our body. In the words of Oscar Wilde, whom Tejedor quotes, “art is not something you can leave aside; it is necessary for life.” This statement embodies the aesthetic and intellectual proposal of an artist who not only produces images but broadens the ways of seeing and feeling. Tejedor respects affiliation without submitting to hierarchies. For him, the artist’s signature (the name) is not a guarantee of quality, but of commitment: “I sign this work because I am its responsible author.” When I asked him about his references, he replied with a paradoxical “all and none.” That ambiguity, far from being evasive, is profoundly philosophical. He vindicates the figure of the anonymous author, the voices that remain outside canonical circuits. He provoked me: “while museums and institutions document and exalt works without real interest, there is anonymous creation that deserves its place.” He showed me reproductions of works by ultra-famous artists—from Picasso, Van Gogh, and Miró, to Rembrandt, Rubens, and Goya—some of his masters to whom he returns fervently. Yet it is that very idolatry that makes his blood boil, conscious that the “signature” is not everything. One perceives a taste for mentorship without idolatry, devotion without submission. I pause at an anecdote: in an article in El Mundo, Tejedor appears before a copper work produced during his first stay in Paris, under the provocative headline: “Itineraries through the backrooms of the art of the ‘damned.’” That word made him uncomfortable, like a label tied around the collar of a shirt—an unwanted, arbitrary, alien marker. That discomfort tells me much: it speaks of an artist who rejects cliché, imposed adjectives, prefabricated narratives. He rejects being “damned” because he refuses to fit into the romantic category of outsider or martyr of art. He prefers that his work be, as he defines it, a free language germinating from experience—more visceral than labeled. This rejection anticipates much of the conversation: art as a non-verbal language, a system capable of expressing what written words cannot. A language without universal codes, built in its own instant, loaded with convictions and contradictions. That vision resonates immediately with Ludwig Wittgenstein, for whom language is the limit of thought, or with Theodor Adorno, for whom art is an autonomous sphere, resistant to direct social transmission. In that realm of what cannot be fully encompassed in discourse, art expands as an existential arena: pleasure and pain, making the invisible visible. This drive recalls Georges Bataille, who saw art as spilled energy, overflowing lived excess, and the threat of annihilation. Tejedor, with his experience assisting people with psychological disorders and using art as a vehicle, conceives art as vital therapy, without a fixed model, where he constructs his own emotional cartography. He does not dictate unquestionable truths, but embraces unanswered questions, places of doubt. Thus, art becomes life: a framework for experimenting, playing, getting angry, laughing at everything and everyone—harmless and wounding at once—a space for research without the dysfunctions of the ego exploding in one’s hands. He confessed to me his interest in all styles, without exclusion: from painting, engraving, and prehistoric sculpture to the most contemporary, virtual, collaborative forms. He mentioned European Gothic art, which, though he feels formally surpassed, remains for him the richest visual-narrative discourse. There is a romantic vein here: the narrative, the spiritual, that which links image with myth and with event, beyond the postmodern gesture. This historical gaze is critical: he recognizes the value of each period, without disqualifications, without idolizations. He distances himself both from the exhaustion of modernism and the frivolity of globalization: his gaze is archaeological, authorized by his vital journey. When I pointed out the apparent inconsistency of his stylistic changes, he explained that for him each work responds to the theme addressed at that moment, and style is not uniform but morphologically variable. “I don’t believe in art that repeats itself over and over again, as if nothing had happened to the author during that period of their life.” That idea reminds me of Gilles Deleuze: form as becoming, multiplicity. The line and the blot, the visual module as thought in action. Indeed, his trajectory, with its dates and evolutions, does not reveal incoherence but rather weaving: a discourse and a constant sensibility without repetition. That map is profound coherence. His visual language also speaks: the material abstraction of the early 1990s was abstract geometries that intuited visions of ideological nature that concern us all. Later, the works of Persone—portraits without gaze, existential ghosts inhabiting the world as no one yet being all of us. Platonic, yes, because they pointed toward an unattainable idea of the subject. Then came the phase on early orality, ecology, human responsibility. And later, in Paris, sadness emerged as an emotional tone: titles that spoke of imbalance, traces of intimate memory. Tejedor does not subscribe to any ideological current or dogma, but to his own freedom: “to be free to say, to do, to make mistakes, to laugh or cry about what is primordial to the individual and their environment.” That responsibility is not partisan politics but ethics: caring for the other and for the self, respecting dissonances. Names such as Olafur Eliasson, Ai Weiwei, Luis Gordillo, Joel-Peter Witkin, Joseph Kosuth, Pedro Cabrita Reis, and many others surfaced naturally. They are not influences that obey a style, but traces of diverse sensibility, testimony to his breadth of wonder. Here I see his radical proposal: not to shut down the thought of art within categories, not to surrender even to the format of “famous influence.” That answer reinforces the image of an artist who privileges multiplicity, who does not ruminate on a canonical genealogy. In his apparent non-positioning—neither with “famous” authors, nor with a political ideology, nor with a defined philosophy, nor with a prefabricated social gaze—I see less an abstention from committed art than a diversification of interests. His stance toward art and life is holistic: he sees the world and does not choose; he points, denounces, loves, without losing his freedom. That freedom is his compass, both sectorial and ontological: there is no dogma, no loyalty to any faction except that of art; he does not kneel before structure, yet he recognizes himself within its fabric. For me, that constellation of intuitions brings together three axes: first, the history of art as an infinite dialogue; second, the sociological awareness of the artist as a formed, wounded, ever-constructing subject; and third, philosophy as the horizon where art unfolds questions, not answers. Tejedor is an artist who lives at the crossroads: he does not apply theory, he provokes it; he does not seek definition, but act. His practice of printmaking during much of his life, alongside painting, photography, and diverse techniques, is sustained without material hierarchies. This recalls ritual craft practices that precede modernity and slip into his workshop as sedimented traces. There lies a notion of art as gesture, as activity of existence, more than as product. Geography marks his imprint: Seville, Madrid, Paris—the physical spaces he inhabits leave their trace. That first stay in the City of Light, with copper as material; and his return in 2011, reconnecting with the intimate. That emotional biculturality is reflected in surfaces, colors, titles. The printed newspaper, literature, music, cinema... as sources not of ornamental inspiration but of grounding the individual in society, placing the work in tension with memory, time, personal chronology, against institutional linearity. I find solace in discovering in Jesús Tejedor an artist who shuns superficiality. Who rejects ready-made definitions yet lives deeply; who values both the classical and the contemporary; who does not anchor himself in a style yet builds style; who does not adhere to ideologies yet produces profoundly ethical and political work; who does not choose between influences but summons them. His art is a vital laboratory where the subject comes on stage without resolving anything, and therefore everything explodes with meaning. At this final threshold, I pause on a phrase with which he interrupted my dissertation: “art has nothing to do with the market.” That negation is not a purist gesture but a radical affirmation: that the creative process, symbolic freedom, the very existence of art, are exhausted if read only through commercial lenses. That tension between the desire to communicate and to sell is ancient. Tejedor chooses dialogue over transaction; he trusts more in the mental eye of the spectator than in the physical showcase. Tejedor’s art reaffirms Heraclitus’ vision that all flows; we do not encounter the definitive form, only moments, electrical connections, beating dissonances. That flow is constrained by his body, his experience, his journey, his joys and rages, his disparate references, his ethical freedom. And in that flow, I perceive a way of inhabiting the world that claims art as perpetual interrogation, as awareness of chaos, as a way of growing. That is why, dear reader, this sketch of a portrait of Jesús Tejedor closes nothing. On the contrary, it opens a space to feel, to doubt, to test, to laugh, to cry, and to keep asking. Where art is not labeled but breathed, not defined but questioning. It does not hand me answers in a labeled jar, but offers me living ideas, reflective pirouettes, a workshop of embodied thought. For him, art is life, and life is always fragmentary, impossible to circumscribe, and therefore exuberant. A.D.
Portrait de Jesús Tejedor
par A.D.
Découvrez l’univers de Jesús Tejedor, où l’art devient langage et expérience. Entre émotions, réflexions et techniques variées, chaque œuvre interroge la vie et la liberté. Plongez dans ce portrait qui révèle un artiste hors des clichés et des catégories. Jesús Tejedor dans l’Hexagone Avant d’aborder mon rendez-vous avec Jesús Tejedor, je me suis approché de sa trajectoire à travers un compendium de publications, d’interviews et de catalogues qu’il m’avait aimablement transmis. Dans son curriculum, l’artiste recense des expositions individuelles et collectives depuis le début des années 1990 dans des espaces d’Europe, d’Afrique et d’Amérique latine, ainsi que des participations à des salons et foires d’art ; ce parcours situe son travail dans un transit constant entre contextes, plus attentif aux séries et à leur dérive conceptuelle qu’à l’appartenance à une école fermée. J’y lis une éthique du processus : l’œuvre se pense elle-même en cycles, revient sur des motifs et des matériaux, et se déplace du pictural à l’installatif ou au numérique sans perdre de continuité sémantique. Je me sens à la fois réconforté et mis au défi par la conversation que j’ai eue avec Jesús Tejedor, qui m’a accueilli avec la chaleur informelle d’un café dans son petit atelier, entouré de pinceaux, de pigments, de restes de gravures et d’outils dont j’ignore totalement la fonction, je l’avoue. Cette atmosphère est déjà en elle-même une œuvre, un écosystème créatif où coexistent la sérénité et la tension toujours présente du possible. Avec une tasse encore fumante entre les mains, l’artiste m’a révélé une sensibilité riche, plurielle, parfois inconfortable, où l’art n’est pas un ornement mais un tissu de l’existence même. Pour cet artiste, l’art est aussi essentiel que n’importe quelle fonction biologique de notre organisme. Dans les mots d’Oscar Wilde, que Tejedor cite, « l’art n’est pas quelque chose que l’on puisse laisser de côté ; il est nécessaire à la vie ». Cette sentence incarne la proposition esthétique et intellectuelle d’un artiste qui ne produit pas seulement des images, mais qui élargit la manière de regarder et de sentir. Tejedor respecte la filiation sans se soumettre aux hiérarchies. Pour lui, la signature (le nom) de l’artiste n’est pas une garantie de qualité, mais d’engagement : « cette œuvre, je la signe parce que j’en suis responsable ». Quand je lui ai demandé ses références, il m’a répondu par un paradoxal : « toutes et aucune ». Cette ambiguïté, loin d’être évasive, est profondément philosophique. Il revendique la figure de l’auteur anonyme, les voix qui restent en dehors des circuits canoniques. Il me provoqua : « tandis que musées et institutions documentent et exaltent des œuvres sans réel intérêt, il existe une création anonyme qui mérite sa place. » Il me montra quelques reproductions d’œuvres d’artistes ultra connus : de Picasso, Van Gogh ou Miró, à Rembrandt, Rubens, Goya… qui sont certains de ses maîtres vers lesquels il revient avec ferveur. Mais c’est aussi cette idolâtrie qui lui fait bouillir le sang, conscient que la « signature » n’est pas tout. On perçoit chez lui un certain goût pour le magistère sans idolâtrie, une dévotion sans soumission. Je m’arrête sur une anecdote : dans l’article de El Mundo, où apparaît Tejedor face à une œuvre en cuivre réalisée lors de son premier séjour à Paris, sous le titre provocateur : « Itinéraires par les coulisses de l’art des maudits ». Ce mot l’a gêné comme une étiquette attachée au col d’une chemise, un marqueur indésirable, arbitraire et étranger. Ce malaise m’en dit long : il nous parle d’un artiste qui rejette le cliché, l’adjectif imposé, le récit préfabriqué. Il refuse d’être « maudit », car il ne veut pas entrer dans une catégorie romantique d’outsider ou de martyr de l’art. Il préfère que son œuvre soit, comme il la définit lui-même, un langage libre germinant de l’expérience, plus viscéral qu’étiquette. Ce refus anticipe une grande partie de la conversation : l’art comme langage non verbal, un système capable d’exprimer ce que l’écrit n’atteint pas. Un langage sans codes universels, construit dans son propre instant, chargé de convictions et de contradictions. Cette vision s’accorde immédiatement avec la philosophie de Ludwig Wittgenstein, pour qui le langage est la limite de la pensée, ou avec Theodor Adorno, pour qui l’art est comme une sphère autonome, réfractaire à la transmission sociale directe. Dans cette atmosphère de l’impossible à saisir pleinement dans le discours, l’art s’amplifie comme arène existentielle : plaisir et douleur, rendant visible l’invisible. Cette pulsion me rappelle Georges Bataille, qui voyait l’art comme énergie répandue, excès vital débordé et menace d’anéantissement. Tejedor, avec son expérience d’assistance auprès de personnes atteintes de troubles psychologiques et l’art comme véhicule, conçoit l’art comme une thérapie vitale, sans modèle fixe, où il construit sa propre cartographie émotionnelle. Il ne dicte pas de vérités incontestables, mais accueille des questions sans réponse, des lieux de doute. Ainsi, l’art devient vie : un cadre pour expérimenter, jouer, se fâcher, rire de tout et de tous, inoffensif et blessant, un espace où enquêter sans que les dysfonctionnements de l’ego n’explosent dans les mains. Il m’a confié son intérêt pour tous les styles, sans exclusion : de la peinture, de la gravure et de la sculpture préhistorique jusqu’au plus contemporain, virtuel, collaboratif. Il fit mention du gothique européen qui, bien qu’il le sente formellement dépassé, demeure pour lui le discours visuel-narratif le plus enrichissant. Il y a là une veine romantique : le narratif, le spirituel, ce qui relie image, mythe et événement, au-delà du geste postmoderne. Ce regard historique est critique : il reconnaît la valeur de chaque période, sans disqualifications, sans vénérations. Il se tient à distance autant de l’épuisement du moderne que de la frivolité du mondialisé : son regard est archéologique, autorisé par son parcours de vie. Lorsque je lui ai signalé l’apparente incohérence de ses changements stylistiques, il me fit remarquer que, pour lui, chaque œuvre répond au thème traité à ce moment-là, et que le style n’est pas uniforme mais de morphologie variable. « Je ne crois pas en l’art qui se répète encore et encore, comme si rien n’était arrivé à l’auteur durant cette période de sa vie. » Cette idée me rappelle Gilles Deleuze : la forme comme devenir, multiplicité. La ligne et la tache, le module visuel comme pensée en acte. En effet, sa trajectoire avec ses dates et son évolution ne révèle pas d’incohérence mais un entrelacs : discours et sensibilité constants, sans répétition. Cette carte est une cohérence profonde. Son langage visuel parle aussi : l’abstraction matiériste du début des années 90 était faite de géométries abstraites qui pressentaient des visions d’un caractère idéologique qui nous concernent tous. Ensuite, les œuvres de « Persone », portraits sans regard, fantômes existentiels, qui habitent le monde comme personne tout en étant nous tous. Platonicien, oui, car il pointait vers une idée insaisissable du sujet. Puis vint la phase sur l’oralité primitive, l’écologie, la responsabilité humaine. Et plus tard, à Paris, la tristesse qui émerge comme tonalité émotionnelle : des titres qui parlent de désajustement, de fissures de mémoire intime. Tejedor ne s’inscrit dans aucun courant idéologique ni dogme, mais dans sa liberté : « être libre pour dire, faire, se tromper, rire ou pleurer de ce qui est primordial à l’individu et à son environnement ». Cette responsabilité n’est pas politique partisane, mais éthique : prendre soin de l’autre et de soi, en respectant les dissonances. Des noms comme Olafur Eliasson, Ai Weiwei, Luis Gordillo, Joel-Peter Witkin, Joseph Kosuth, Pedro Cabrita Reis et beaucoup d’autres surgirent avec naturel. Ce ne sont pas des influences qui obéissent à un style, mais des traces de sensibilité diverse, témoignage de son ampleur d’émerveillement. J’y vois sa proposition radicale : ne pas clore la pensée de l’art dans des catégories, ne pas se soumettre même au format de « l’influence célèbre ». Cette réponse renforce l’idée d’un artiste qui privilégie la multiplicité, qui ne rumine pas une généalogie canonique. Dans son apparent non-positionnement — ni chez des auteurs « célèbres », ni dans une idéologie politique, ni dans une philosophie déterminée, ni dans un regard social prédéfini — je vois davantage une diversification de thèmes d’intérêt qu’une abstention vis-à-vis de l’art engagé. Sa position face à l’art et à la vie est holistique : il voit le monde et ne choisit pas ; il montre, dénonce, aime, sans perdre sa liberté. Cette liberté est sa boussole sectorielle et ontologique : il n’y a pas de dogme, pas de loyauté envers un camp, sauf envers l’art ; il ne s’agenouille pas devant la structure, mais se reconnaît dans son tissu. Pour moi, cette constellation d’intuitions conjugue trois axes : 1. l’histoire de l’art comme dialogue infini ; 2. la conscience sociologique de l’artiste comme sujet formé, blessé, en construction… ; 3. la philosophie comme horizon où l’art déploie des questions, non des réponses. Tejedor est un artiste qui vit dans le croisement : il n’applique pas de théorie, il la provoque ; il ne cherche pas de définition, mais l’acte. Sa pratique de la gravure durant une grande partie de son existence, la peinture, la photographie et diverses techniques se maintiennent sans hiérarchies matérielles. Cela renvoie à des pratiques artisanales rituelles qui précèdent la modernité, et qui s’infiltrent dans son atelier comme des traces sédimentées. Il y a là une notion de l’art comme geste, comme activité de l’existence, plus que comme produit. La géographie marque son empreinte : Séville, Madrid, Paris, les espaces physiques qu’il habite, laissent une trace. Ce premier séjour dans la ville lumière, avec le cuivre comme matériau ; et son retour en 2011, avec sa re-connexion à l’intime. Cette biculturalité émotionnelle se reflète dans les surfaces, les couleurs, les titres. Le journal imprimé, la littérature, la musique, le cinéma… comme source, non comme inspiration ornementale, mais comme un appui pour situer l’individu dans la société, place l’œuvre en tension avec la mémoire, le temps, la chronologie personnelle, face à la linéarité institutionnelle. Je me sens réconforté de trouver en Jesús Tejedor un artiste qui fuit la superficialité. Qui rejette les définitions toutes faites, mais vit profondément ; qui apprécie le classique et le contemporain ; qui ne s’ancre pas dans un style, mais construit un style ; qui ne s’inscrit pas dans des idéologies, mais produit une œuvre profondément éthique et politique ; qui ne choisit pas entre influences, mais les convoque. Son art est un laboratoire vital où le sujet se met en scène sans rien résoudre, et c’est pourquoi tout éclate de sens. À ce seuil final, je relève une phrase par laquelle il interrompit ma dissertation : « rien à voir entre l’art et le marché ».Cette négation n’est pas un geste puriste, mais une affirmation radicale : que le processus créatif, la liberté symbolique, l’existence de l’art, s’épuisent si on ne les lit qu’avec des lunettes commerciales. Cette tension entre le désir de communiquer et celui de vendre est ancienne. Tejedor choisit le dialogue plutôt que la transaction ; il fait davantage confiance à l’œil mental du spectateur qu’à la vitrine du physique. L’art de Tejedor réaffirme la vision d’Héraclite, qui disait que tout s’écoule ; nous ne trouvons pas la forme définitive, seulement des moments, des connexions électriques, des dissonances qui battent. Ce flux est contraint par son corps, son expérience, son parcours, ses joies et ses colères, ses références disparates, sa liberté éthique. Et dans ce flux, je perçois une manière d’habiter le monde qui revendique l’art comme interrogation perpétuelle, comme conscience du chaos, comme forme de croissance. C’est pourquoi, cher lecteur, ce croquis de portrait de Jesús Tejedor ne clôt rien. Il ouvre, au contraire, un espace pour sentir, douter, tâtonner, rire, pleurer et continuer à interroger. Là où l’art ne s’étiquette pas, mais se respire ; ne se définit pas, mais interroge. Il ne me donne pas de réponses en flacon étiqueté, mais m’offre des idées vivantes, des pirouettes réflexives, un atelier de pensée incarnée. L’art pour lui, c’est la vie, et la vie toujours fragmentaire, impossible à circonscrire, et pour cela même exubérante. A.D.
Retrato de Jesús Tejedor
por A.D.
Descubre el universo de Jesús Tejedor, donde el arte se convierte en lenguaje y experiencia. Entre emociones, reflexiones y técnicas variadas, cada obra interroga la vida y la libertad. Sumérgete en este retrato que revela a un artista fuera de los clichés y las categorías. Jesús Tejedor en el Hexágono Antes de abordar mi cita con Jesús Tejedor, me acerco a su trayectoria con un compendio de publicaciones, entrevistas y catálogos que me facilitó. En su currículum, el artista recoge exposiciones individuales y colectivas desde inicios de los años 90 en espacios de Europa, África y América Latina, junto con participaciones en salones y ferias de arte; ese recorrido sitúa su trabajo en un tránsito constante entre contextos, más atento a las series y a su deriva conceptual que a la pertenencia a una escuela cerrada. Leo ahí una ética de proceso: la obra se piensa a sí misma en ciclos, vuelve sobre motivos y materiales, y se desplaza de lo pictórico a lo instalativo o lo digital sin perder continuidad semántica. Me siento reconfortado y desafiado, por la conversación que sostuve con Jesús Tejedor, quien me recibió con la calidez informal de un café en su pequeño estudio, rodeado de pinceles, pigmentos, restos de grabados y herramientas cuya función, confieso, ignoro por completo. Esa atmósfera es ya en sí misma una obra, un ecosistema creativo donde coexisten la serenidad y la tensión siempre presente de lo posible. Con una taza aún humeante entre las manos, el artista me reveló una sensibilidad rica, plural, a veces incómoda, donde el arte no es un ornamento sino un tejido de la existencia misma. Para este artista el arte es tan esencial como cualquier función biológica de nuestro organismo. En palabras de Oscar Wilde, que Tejedor cita, “el arte no es algo que puedas dejar; es necesario para la vida” Esta sentencia encarna la propuesta estética e intelectual de un artista que no solo produce imágenes, sino que ensancha la forma de mirar y sentir. Tejedor respeta la filiación sin someterse a jerarquías. Para él, la firma (el nombre) del artista no es garantía de calidad, sino de compromiso: “esta obra la firmo porque soy su responsable” Cuando le pregunté por sus referentes, respondió con un paradójico: “todos y ninguno”, esa ambigüedad, lejos de ser evasiva, es profundamente filosófica. Reivindica la figura del autor anónimo, las voces que quedan fuera de los circuitos canónicos. Me provocó: “mientras museos e instituciones documentan y exaltan obras sin interés real, hay creación anónima que merece su lugar.” Me enseñó algunas reproducciones de obras de artistas ultra conocidos: desde Picasso, Van Gogh o Miró, a Rembrandt, Rubens, Goya… que son algunos de sus maestros a los que vuelve con fervor, pero también es esa idolatría la que le hace hervir la sangre, consciente de que la “firma” no lo es todo. Se percibe un cierto gusto por el magisterio sin idolatría, devoción sin sumisión. Me detengo en una anécdota: del artículo de El Mundo, donde aparece Tejedor frente a una obra en cobre realizada durante su primera estancia en París, bajo el título provocador: “Itinerarios por las trastiendas del arte de los “malditos”. Esa palabra le incomodó como una etiqueta atada al cuello de una camisa, un marcador indeseado, arbitrario y ajeno. Esa molestia me dice mucho: nos habla de un artista que rechaza el cliché, el adjetivo impuesto, la narrativa prefabricada. Rechaza ser “maldito” porque no quiere caber en una categoría romántica de outsider o mártir del arte. Prefiere que su obra sea, como él mismo la define, un lenguaje libre germinando desde la experiencia, más visceral que etiqueta. Este rechazo anticipa buena parte de la conversación: el arte como lenguaje no verbal, un sistema capaz de expresar lo que la palabra escrita no alcanza. Un lenguaje sin códigos universales, construido en su propio instante, cargado de convicciones y contradicciones. Esa visión sintoniza de inmediato con la filosofía de Ludwig Wittgenstein, para quien el lenguaje es límite del pensamiento, o con Theodor Adorno, para quien el arte es como una esfera autónoma, refractaria a la transmisión social directa. En ese ambiente de lo imposible de abarcar cabalmente en discurso, el arte se amplifica como arena existencial: placer y dolor, haciendo visible lo invisible. Esa pulsión me recuerda a Georges Bataille, que veía el arte como energía derramada, exceso vivencial desbordado y amenaza de aniquilación. Tejedor, con su experiencia en asistencia a personas con algún tipo de trastorno psicológico y el arte como vehículo, concibe el arte como una terapia vital, sin modelo fijo, donde construir su propia cartografía emocional. No dicta verdades incuestionables, sino que acoge preguntas sin respuesta, lugares de duda. Así el arte se convierte en vida: marco para experimentar, jugar, enfadarse, reír de todo y de todos, inofensivo e hiriente, un espacio donde investigar sin que las disfunciones del ego te exploten en las manos. Me confesó su interés por todos los estilos, sin exclusión: desde la pintura, el grabado y escultura prehistórica hasta lo más contemporáneo, virtual, colaborativo. Hizo mención al gótico europeo que aunque siente superado formalmente, es para él el discurso visual-narrativo más enriquecedor. Hay aquí una veta romántica: lo narrativo, lo espiritual, lo que hila imagen con mito y con acontecimiento, más allá del gesto posmoderno. Esa mirada histórica es crítica: reconoce lo valioso de cada período, sin descalificaciones, sin veneraciones. Se distancia tanto del agotamiento de lo moderno como de la frivolidad de lo globalizado: su mirada es arqueológica, autorizada por su recorrido vital. Cuando le señalé la aparente incoherencia de sus cambios estilísticos, me señaló que para él cada obra responde al tema tratado en ese momento, y el estilo no es uniforme sino de morfología variable. “No creo en el arte que se repite una y otra vez, como si nada hubiese sucedido al autor durante ese periodo de su vida”. Esa idea me recuerda a Gilles Deleuze: la forma como devenir, multiplicidad. La línea y la mancha, el módulo visual como pensamiento en acto. Efectivamente, su trayectoria con fechas y evolución no revela incoherencia sino entramado: discurso y sensibilidad constante, sin repetirse. Ese mapa es coherencia profunda. Su lenguaje visual también habla: La abstracción matérica de principios de los 90 eran geometrías abstractas que intuían visiones de carácter ideológico que nos atañen a todos. Después, las obras de “Persone”, retratos sin mirada, fantasmas existenciales, que habitan el mundo como nadie siendo todos nosotros. Platónico, sí, porque apuntaba a una idea inasible del sujeto. Luego la fase sobre la oralidad temprana, la ecología, la responsabilidad humana. Y más tarde, en París, la tristeza que emerge como tono emocional: títulos que hablan de desajuste, resquicio de memoria íntima. Tejedor no se adscribe a ninguna corriente ideológica ni dogma, sino a su libertad: “ser libre para decir, hacer, equivocarse, reírse o llorar de lo primordial al individuo y su entorno”. Esa responsabilidad no es política partidista, sino ética: cuidar al otro y al yo, respetando disonancias. Nombres como Olafur Eliasson, Ai Weiwei, Luis Gordillo, Joel-Peter Witkin, Joseph Kosuth, Pedro Cabrita Reis y muchos otros brotaron con naturalidad. No son influencias que obedezcan un estilo, sino trazas de sensibilidad diversa, testimonio de su amplitud de asombro. Aquí veo su propuesta radical: no clausurar el pensamiento del arte bajo categorías, no rendirse siquiera al formato de “influencia famosa”. Esa respuesta refuerza la idea de un artista que privilegia la multiplicidad, que no rumia una genealogía canónica. En su aparente no posicionamiento, ni en autores “famosos”, ni en ideología política, ni en filosofía determinada, ni en mirada social prefijada, veo más una diversificación de temas de interés, que una abstención hacia el arte comprometido. Su posición frente al arte y la vida es holística: ve mundo y no escoge; señala, denuncia, ama, sin perder su libertad. Esa libertad es su brújula sectorial y ontológica: no hay dogma, no hay lealtad a un bando salvo al del arte ; no se arrodilla ante la estructura, pero se reconoce dentro de su tejido. Para mi, esa constelación de intuiciones conjuga tres ejes: en primer lugar, la historia del arte como diálogo infinito; en segundo lugar, la conciencia sociológica del artista como sujeto formado, herido, en construcción...; en tercer lugar, la filosofía como horizonte donde el arte despliega preguntas, no respuestas. Tejedor es un artista que vive en el cruce: no aplica teoría, sino que la provoca; no busca definición, sino acto. Su práctica del grabado durante buena parte de su existencia, la pintura, la fotografía y técnicas diversas se sostiene sin jerarquías materiales. Eso remite a prácticas artesanales rituales que anteceden la modernidad, y que se cuelan en su taller como rastros sedimentados. Hay ahí una noción de arte como gesto, como actividad del existir, más que como producto. La geografía marca su impronta: Sevilla, Madrid, París, los espacios físicos que habita, imprimen huella. Esa estancia primera en la ciudad luz, con el cobre como material; y su vuelta en 2011, con su re-conexión con lo íntimo. Esa biculturalidad emocional se refleja en las superficies, colores, títulos. El diario impreso, la literatura, la música, el cine... como fuente, no como inspiración ornamental, sino como un apoyo de ubicación de individuo en la sociedad, pone a la obra en tensión con la memoria, el tiempo, la cronología personal, frente a la linealidad institucional. Me reconforta encontrar en Jesús Tejedor un artista que rehuye la superficialidad. Que rechaza definiciones hechas, pero vive profundamente; que aprecia lo clásico y lo contemporáneo; que no se ancla en un estilo, pero construye estilo; que no se adscribe a ideologías, pero produce obra profundamente ética y política; que no elige entre influencias, sino que las convoca. Su arte es un laboratorio vital donde el sujeto se pone en escena sin resolver nada, y por eso todo estalla de sentido. En este umbral final, reparo en una frase con la que me interrumpió mi disertación: “nada tiene que ver el arte con el mercado”. Esa negación no es un gesto purista, sino una afirmación radical: que el proceso creativo, la libertad simbólica, la existencia del arte, se agota si se lee solo con lentes comerciales. Esa tensión entre el deseo de comunicar y de vender es antigua. Tejedor escoge el diálogo sobre la transacción; confía más en el ojo mental del espectador antes que la vitrina de lo físico. El arte de Tejedor reafirma la visión de Heráclito, que decía que todo fluye; no encontramos la forma definitiva, solo momentos, conexiones eléctricas, disonancias que laten. Ese flujo lo constriñe su cuerpo, su experiencia, su trayecto, sus alegrías y rabietas, sus referencias dispares, su libertad ética. Y en ese flujo, percibo un modo de habitar el mundo que reivindica el arte como interrogación perpetua, como conciencia del caos, como forma de crecer. Por eso, estimado lector, este boceto de retrato de Jesús Tejedor no cierra nada. Abre, en cambio, un espacio para sentir, dudar, tantear, reír, llorar y seguir preguntando. Donde el arte no se etiqueta, sino que se respira, no se define, interroga. No me da respuestas en frasco etiquetado, pero me ofrece ideas vivas, piruetas reflexivas, un taller de pensamiento encarnado. El arte para él, es vida, y vida siempre fragmentaria, imposible de circunscribir, y por eso exuberante. A.D.
RDAC. Art Gallery
Seed
RDAC. Khartoum 20012.
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JESÚS TEJEDOR CABRERA CV EXPOSICIONES Individuales 2012 Seeds RDAC The Rashid Diab Art Center, Khartoum, Sudan. 2007 Obra Reciente Galería Concha Pedrosa. Sevilla. www.jesustejedor.com Galería Margarita Albarrán. Sevilla. 2001 PERSONE Galería Vírgenes, Sevilla. 1998 Gaël Galería La Barbería, Sevilla. 1995 Un Paso Atrás Galería La Barbería, Sevilla. 1994 Galería Artemporel Montpellier, Francia. 1992 Sete – Sevilla – París. (con J.M. Perez Tapias) Comisario P. Saumade. Espace Herault, París, Francia 1990 Galería Gris y Negro Madrid. Colectivas 2023 Cuadernos de Roldan en París, Sala de exposiciones del Ayuntamiento de París 13. Publicación de Cuadernos de Roldan 104. 2021 Galería Sonia Monti, París, Francia. 2012 La Vida Desatenta Buch Druck Kunst Hamburgo, Alemania. Escuela de Arte de Jaén, España. Facultad de Bellas Artes de Altea, España. Biblioteca Municipal de Weimar, Alemania. 2011 Cadáver Exquisito Museo de Alcalá de Guadaira, curador Manolo Cuervo. Sevilla, España. Punto y Seguimos Galería NuevoArte, Sevilla. 2010 La Caravana de Colores itinerante por Andalucía: Sede de Canal Sur RTVA Sevilla, Auditorio de la Merced, Sanlucar de Barrameda, Cádiz, España. Galería KARTON, Almería, España. Iglesia de Santa Ana de Guadalcanal, Sevilla. Centro RTVA, Almería. Huercal Overa y Níjar, Almería. Galería Zeller, Oporto, Portugal. Ateneo de Orense, España. Arco de Santa María, Ayuntamiento de Burgos, España. 2010 O Pâu Nosso exposición internacional itinerante de libros de artista: Archivo Histórico Municipal Caixas do Sul, Porto Alegre, Brasil. Escuela de Arte Nervión de Sevilla. Mostra internazionale di libro d'artista, Biblioteca Internazionale la Vigna, Vicenza, Italia. Andar por Andar exposición itinerante en homenaje a Miguel Hernandez. Escuela de Arte Mateo Inurria, Córdoba, España. Escuela de Arte de Granada, España. Facultad de Bellas Artes de Altea. Universidad Popular, Albacete, España. 2009 Azul Libros de artista. Organiza librodeartista.info, comisario: Jim Lorena. Facultad de Bellas Artes de Sevilla y Galería Concha Pedrosa. L’immaginazione, in forma di libro Imagine Book San Jus Barcelona, España. Curadora: Elisa Pellcani. ILDE. En la Calle libro de artista Curador Alejandro Uribe. Tepoztlán, Morelos, Méjico. 2008 Matrices Escuela de Arte de Granada. Arco 2008 Consejería de Cultura Junta de Andalucía, Galería Margarita Albarrán, Sevilla. Luz a Africa Casa de la Provincia. Sevilla. 2006 Libros de Artista Pabellón de Andalucía, Feria Internacional del Libro. Guadalajara, Méjico. 2003 Arte Sevilla Feria de Arte Contemporáneo, Galería Vírgenes, Sevilla. Línea SevillaFregenal Galería de Pilar Molinos, Fregenal de la Sierra, Badajoz, y Museo Pérez Comendador Leroux, Hervás, Badajoz, España. Artistas de la Galería, Galería Vírgenes Sevilla. I Exposición Arte Solidario Aséleme Casa Palacio del Pez, Madrid, España. 2002 Caballos y Toros Galería Juanjo Espartero, Sevilla. 50 OJOS Museo del Grabado, Marbella, Málaga. Sala Imagen, Caja San Fernando de Sevilla y Jerez, Sevilla. Arte Sevilla, Feria A. C. Galería Vírgenes Sevilla. 2001 Carteles Imposibles de la Feria de Abril. Galería Margarita Albarrán, Sevilla. Artistas de la Galería Margarita Albarrán, Sevilla. 2000 Stock Art NH Hoteles Plaza de Armas, Sevilla. Música en la Caja Galería La Caja China, Sevilla. Obra Gráfica Galería Vírgenes, Sevilla. 2000 PASEARTE Scalpo, Sevilla. Estampa 2000 Galería Margarita Albarrán, Madrid. 1999 Pintores Sobre el Diván Sala Gran Capitán. Ayuntamiento de Granada. Sala de Exposiciones el Palillero. Ayuntamiento de Cádiz, España. Centro de Estudios Lorquianos, Fuente Vaqueros, Granada. 1/20 Artistas de la Galería M. M. Jaén. ESTAMPA ‘99 Galería La Caja China, Sevilla. Madrid. II Muestra de Arte Contemporáneo Comestible Sevilla, Diputación Provincial de Sevilla. 1998 El Autismo I.E.J.E. El Monte de Piedad y Caja de Ahorros de Sevilla y Huelva. Pintores sobre el Diván Sala San Hermenegildo Sevilla. ESTAMPA '98, Galería La Barbería, Sevilla. Madrid 1997 ESTAMPA '97 Madrid: Galería La Barbería, Sevilla. Madrid. 1996 Artistas Contra el Racismo Junta de Andalucía, Diputación Provincial de Sevilla. La Cultura va por Barrios. Ayuntamiento de Sevilla. Galería Acuarela Badajoz. Galería La Barbería, Sevilla. Sevilla en ArtesPlásticasMaestranza de Artillería, Sevilla. ESTAMPA '96 Galería Astarté, Madrid. LES VENDEMIAIRES an 10 Montpellier, Francia. 1995 EL BODEGÓN Galería Félix Gómez, Sevilla. ESTAMPA '95 Paperki. Madrid. 1994 XXXIX Salon de Montrouge Montrouge, Francia. 1993 LES VENDEMIAIRES Montpellier, Francia. 45eme Salon de Montgeron. Montgeron et l’Europe, Francia. 1991 Galería Gris y Negro Madrid. Palacio de Exposiciones de Angers, Loira, Francia. Artistas por la Paz, Palacio Arzobispal, Sevilla. XVII Festival Internacional de Asilah, Marruecos. Artistas para el '92 Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Sevilla y Jerez. 1990 Meeting of the Worlds Festival Joensuu, Finlandia. Korsholms Medborgarinstitut Karhol, Finlandia. 1990 Casa de la Cultura, Sanlúcar de Barrameda, Cádiz. Andalucía Sueño y Realidad Delegación de Cultura de la Diputación de Sevilla. Arte Gráfico Andaluz Pabellón de Chile, Sevilla. Centro Cultural Español, El Cairo, Egipto. 1986 Premio de Pintura Caja de Ahorros San Fernando de Sevilla. 1985 C. P. Maestro José Varela, Sevilla. 1984 XXXIII Salón de Otoño de la Real Academia de Bellas Artes de Sevilla. Primer Salón de Artistas de la Facultad de B.B.A.A. de Sevilla. EDICIONES Envenenar el Código. Edita SCALPO. Genlock Production Video. Edita Genlock S.A. Andalucía Sueño y Realidad. Libro de Protocolo de la Junta de Andalucía para la Exposición Universal Sevilla 92. Patrocina la Sociedad Estatal Quinto Centenario y Junta de Andalucía. Edita SCALPO. Sevilla desde el Aljarafe. Edición de protocolo, Hotel Alcora. Edita Hotel Alcora y SCALPO. Mercenario. Edita GRÁFICAS 2000. Un Paso Atrás. Edita SCALPO. Mud Media Banco Santander. Protocolo. Edita Banco Santander. Mud Media Isla Canela. Promoción. Edita Astarté. SCALPO. Monumentos Históricos. Protocolo de la Cámara de Comercio e Industria de Madrid. Edita C. C. I. M. Astarté. Ex Libris. Protocolo. Consejería de la Presidencia, Junta de Andalucía. Edita SCALPO. Marta Moore. Fregenal. Edita Margarita Albarrán. 50 Ojos. 24 artistas andaluces. Edita Luis Venegas. COLECCIONES -The National Center of Fine Arts in Egypt. Modern Graphic Art Museum, El Cairo, Egipto. -Museo de Bellas Artes San Fernando de Madrid. -Mousseum Al-Mouiht, Asilah, Marruecos. -Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla. -Biblioteca Nacional, Madrid. -Biblioteca de Andalucía, Granada. -Biblioteca Provincial, Sevilla. -Fondation Les Vendemiaires, Montpellier, Francia. -Colection de l'Herault, Paris, Francia. -Colección Palacio del Congreso de los Diputados, Madrid. -Junta de Andalucía, Consejería de la Gobernación, Consejería de Cultura, Consejería de Trabajo. -Colección NH Hoteles. Barcelona, Sevilla. -Colección Caja San Fernando de Sevilla y Jerez. -Colección El Monte de Piedad y Caja de Ahorros de Sevilla y Huelva. -Colección NH Stock Art Sevilla, Barcelona. -Fondo Cultural de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. -RDAC Art Center, Khartoum, Sudan. BIBLIOGRAFÍA 2023 Publicación de Cuadernos de Roldan 104. Dedicado a la ciudad de País. Sobre la Depresión de Luis Folgado de Torres. Ilustrado por Jesús Tejedor. 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